Che Guevara, Josh Evans, 2005

Cuando no se ha atendido un problema es bastante lógico que este crezca, y en el caso de la informalidad como vehiculo canalizador de copias de material filmado y grabado, es evidente no sólo que ha crecido, sino que lo ha hecho de manera descomunal y ante la vista y complicidad de todos. Decir esto sin duda, conlleva al menos un cierto riesgo: tentar a un pequeño y gris burócrata a desatar una nueva ola represiva dirigida más a convencer a los sectores mas palurdos de que esta apreciación en su conjunto es un error y casi una blasfemia, que en alguna medida a atender el problema, en el supuesto que la represion sea una manera ya no medianamente eficaz y ni siquiera oportuna de atender semejante fenómeno, sino al menos algo viable o siquiera posible.

Pero porqué afirmo que el problema ha crecido de manera descomunal? Bueno, hagamos las cuentas: Villahermosa, mi comunidad en el sureño estado de Tabasco, es una ciudad capital con al menos un millon de habitantes. Tiene 3 conglomerados con 41 salas cinematográficas, 1 sala de video quíntuple X y 1 sala mas, dedicada, se dice, al cine de calidad, aunque aún antes de su desaparición por inundación dedicó sus últimos cinco años a la proyección de material de lo más diverso en DVD. Así resulta sumamente curioso, cómo es que entonces, con 43 salas más un planetario para películas Omnimax o Imax, cada semana exista a lo sumo una oferta de máximo doce o catorce películas distintas en cartelera, repetidas eso sí, hasta la saciedad y sin lugar para al menos una de las otras treinta películas disponibles a nivel nacional. ¿Que el público tabasqueño es villamelón? Probablemente. ¿Que los inversores no tienen mucho margen de maniobra dados los esquemas de las distribuidoras? Seguramente. ¿Que al estado ya no interesa meter las manos en esta área? Posiblemente. El caso es que del área del centro, donde anteriormente se localizaba el 80% de los expendedores de material regrabado, el negocio se ha expandido hasta varias colonias de la periferia y no se diga en cada unos de los 16 municipios restantes de la entidad, dándose el caso que los originales, situados en los alrededores del área conocida como chetumalito, han tenido que evolucionar y adentrarse en los pormenores del mercado del audiovisual para ofrecer a sus clientes productos especializados y verdaderas novedades mundiales, dándose el caso de que varias películas se ofertan casi al mismo tiempo de su lanzamiento oficial en europa o de su presentación en alguno de sus festivales más preciados, como Cannes, La Viennale, La Berlinale, etc., pero también existen locales especializados en cine clásico, cine mejicano, cine documental, documental televisivo, manga, hentai y por supuesto, porno, y por extraño que parezca, cuidando las formas de una manera más efectiva que cualquier televisora de señal restringida.

Hablar de este grado de especialidad es entonces hablar de que a la informalidad se esta incorporando un grupo cada vez más amplio del sector social: ya ha pasado mucho desde que se hablaba de que sólo se incorporaba a este sector la población que no encontraba trabajo por no haber conseguido un grado académico suficiente y cada vez son más los recursos que estos sectores invierten en el ejercicio de su ocupación, por lo que no es extraño que sean más eficientes que Cinépolis, MultiMedia Cinemas, CableCom, Sky y el Gobierno de Estado para ofrecer a la ciudadanía justo el material que quieren, desean o necesitan ver, y a un precio para el que no es necesario vender el alma al diablo o al menos un ojo de la cara.

No obstante, la naturaleza profunda de una actividad que nace en la marginalidad y en muchos aspectos sortea la legalidad también tiene sus bemoles, y el caso más reciente me ha ocurrido con esta película, que no era mi intencion adquirir y ni sdiquiera ver, pero a la cual fui llevado gracias a una portada que anunciaba la versión de Soderberg, esa en la que es protagonista Benicio del Toro y que justo el día de ayer fue premiada en Cannes, pero oh sorpresa, que va de Benicio a Eduardo, un Che más acorde al gusto de las chicas cosmo y una producción en la cual podría estar de acuerdo Fidel, Luis Echeverría o cualquier otro facista a la carta en el menú de cualquier televisora del mundo.

A pesar de todo, es de agradecer la oportunidad de ver un material que todo interesado y nó debe de ver, con independencia del criterio que se tenga y del que el autor haga uso, con fines de investigación, con propósitos comparativos o por mera ilustración. El problema hubiera existido de habermela cambiado por una de Bruce Lee o algo así, y dicho sea sin intención de ofender la memoria del afamado artemarcialista ni de romper el romántico encanto de la presente versión.

El DVD-R es un clon legítimo, y se ve y se escucha inmejorablemente.

La batalla de Haditha, Nick Broomfield, 2007.

Un veterano cineasta inglés nacido en el 48 pero arropado por Francia desde sus 15, toma un cruento hecho acontecido en la aún vigente guerra contra Irak y lo muestra desde tántos ángulos que resulta imposible tomar un partido: tanta demencia existe de un lado como en el de su opositor y aquí el fundmentalismo es mostrado de una manera bastante inusitada tanto en el cine como en el resto de la fauna mediática. Acaso el último vestigio de humanidad que queda es el de los soldados norteamericanos que punitivamente incursionan en territorio ciudadano configurando una terrible masacre de mujeres y niños debido a la habilidad que han tenido los fundamentalistas para provocar precisamente esta reacción por parte de la milicia más poderosa de la galaxia.

No obstante semejante conjunto de incorrecciones políticas -cómo podría ser diferente cuando el autor también los es de Kurt & Cortney (1998)?- el director sabe bien lo que hace y ha recurrido a un conjunto de ex-marines como actores principales, lo cual dota su filme de un verismo muy acorde con ciertas secuencias a lo dogma y con un levantamiento de imágenes con equipo digital. La misma escena con la que abre, un Marine hablando de sus experiecias con un cierto estilo de entrevista televisiva le hace muy creíble por más que media hora después esta credibilidad se derrumbe ante la contundencia de sus acciones, o las docenas de diálogos del mismo tipo entre ciudadanos iraquíes que hacen ver su descontento con la ocupación tanto con los actos de sus compatriotas fundamentalistas, parecerián todos, el conjunto coral auténtico de Irak, por más que esa autenticidad se asemeje más a una autenticidad mediática que real.

Lo curioso, siendo tan apabullante el conjunto de realidades impostadas por el filme, es que al fin de cuentas salga a relucir una ominosa pregunta: ¿tanto desean los indocumentados mejicanos una green card como para, sin deberla ni temerla, ir y masacrar inmisericorde cualquier cantidad de gente a cualquier país? Claro, en el hipotético caso de que se lograra sobrevivir.

El DVD-R no es un clon. Ha sido traficado por la red, pero posee buenos parámtros y está en la franja más alta del standard. Nunca como antes la piratería mejicana se stá luciendo: La piratería también es cultura.

La banda nos visita, Eran Kolirin, 2007.

No hace falta ser un genio ni exageradamente sensible para percibir en esta ópera prima una sutil y pequeña obra mayor, en la que una anécdota sencilla vale para presentar una de las cosas mas complejas de lograr en pantalla: una representación auténtica de la soledad. Por contraste, construída a base de silencios y con una economía de diálogos que se antoja más que bienvenida y que traslada, a los curtidos rostros de los actores casi todo el peso de un drama no exento de extraño humor que no se va de bruces hacia la hilaridad ni atiende, por otra parte, a la socorrida dulcificación en que cotidianamente cae, en estos temas, la mayor parte de la cinematografía mundial: ya sea la industrial o la festivalera.

Ocho individuos, ataviados como extras representando policías uniformados, son puestos en medio de la nada del desierto israelí. Son musicos folcklóricos de la banda de una academia egipcia y han sido invitados por un ministeio de cultura poco escrupuloso con el trato hacia sus invitados y tienen que valerse de sus propios medios e intentar cumplir con sus compromisos, muy a pesar de todo. Durante el periplo el espectador irá decubriendo distintas facetas de distintos seres humanos al tiempo que se atan cabos acerca de los elementos comunes a todos ellos, descubiendo, por una parte, que nada es lo que parece, mientras por otra, podrán apreciarse ciertos valores y poderes poco evidentes que tiene la música, así como ciertas caracteístcas innatas de los ejecutantes.

Este DVD-R posee calidad de clon aunque resulta casi evidente que ha sido traficado por red, aunque ello no obsta para disfrutar incluso una muy buena calidad de audio y con ello, apreciar una música muy hermosa y ad-hoc para una cinta con un estilo producto, de acuerdo con los cahiers, de la asimilación de las cinematografías tanto de Kiarostami como Tati. Muy recomendable.

Teresa, el cuerpo de Cristo, Ray Loriga, 2007.

Curiosa, por decir lo menos, resulta esta la segunda película del Español Ray Loriga, quien después de una ópera prima un tanto desapercibida pero que contó con Viggo Mortensen en uno de los roles secundarios en el ahora distante 1997, nos presenta ahora una visión un tanto extraña acerca de la vida de doña Teresa de Ahumada, noble señora que terminó siendo canonizada por la entonces todopoderosa iglesia católica, apostólica y romana.

Curiosa, decía, y por más de una razón; porque presenta unos chistosos lances plásticos a lo Tarsem Sight cuando de describir la barroca belleza de la mixtura entre actriz y personaje, curiosa porque hace uso de las más sobadas fórmulas y discursos para establecer la modernidad de la mujer, curiosa porque nos presenta en el papel de santa a una donna que para nada es creíble al respecto y no precisamente por su intervención en alguna de las más malas películas de Julio Medem, curiosa porque Ray Loriga ya nos había demostrado que no es para nada un mal narrador como lo demuestra su considerable trayectoria como guionista y particularmente de su escrito ignaural para Almodóvar, Carne Trémula, y curiosa porque termina adoptando los peores tics de Shyamalan jugándole a los desaparecidos, abduciones y demás elementos fenomenales como parte medular del relato sin que a fin de cuentas termine por integrar tan fantasmagóricos elementos al cuerpo narrativo. Vaya desperdicio.

Es entendible que una starlett como Paz Vega tenga que aprovechar su momento: la belleza no dura para siempre y es preciso expandir su radio de acción, sobre todo después de tantos tropiezos participando con gente que parecía prometer pero que se quedó a la mitad del camino, aunque mejor haría en emigrar a Hollywood, donde es sumamente apreciado su acento, su actitud y la desmesurada esbeltez de su cuerpo. Sobre todo cuando España no se acabará sin ella.

Un caso mas extraño, el de Leonor Watling, mujer sumamente hermosa que debutó en una rareza de 1993 que lleva por título Jardines colgantes para después sumirse de lleno en dos proyectos de televisión y cuatro cortometrajes para despuntar, en 1998 con La primera noche de mi vida, para después anotarse tanto buenos puntos como traspiés para terminar, con Son de mar (2001) volviendo más inescrutable su sino.

De cualquier forma, se agradece a la informalidad interesarse en un producto que más parecería destinado al mercado interno y cautivo de España que para el resto de la humanidad, puesto nos abre ante manifestaciones completamente distintas a lo que las leyes del marketing nos tienen acostumbrados.

El DVD-R que circula en el mercado tabasqueño es un buen clon y corre y suena de manera confiable.

Reservation Road, Terry George, 2007.

Cuesta mucho asimilar que nuestros hijos, mientras son infantes, dependen absolutamente de uno. Y sin importar lo que digan las modernas teorias y los mas recientes enfoques hacia la educacion de los mismos, lo único cierto es que mientras un individuo no sepa cuidarse a sí mismo la responsabilidad que de ello se derive solo tiene un destinatario: los padres. Esto parece una cosa sencilla pero en la práctica no lo resulta tanto. Imaginemos que por un segundo nos distraemos y por ello apartamos la vista de nuestro bebe y que en ese justo momento ocurre una desgracia, ya por imprudencia del mismo o de un tercero. A pesar de los atenuantes o agravantes, el accidente, el abuso o la maldad de un tercero no tendría registro de no habernos distraído, aunque los mecanismos de autodefensa del ego y el superego inmediatamente construyan elaboraciones con el fin de desviar la culpa del yo, y sobre todo cuando resulta que descubrimos que en realidad, eso de los críos conlleva una responsabilidad sumamente monstruosa y sin referirse siquiera lateralmente al conjunto social: lo es ante todo, ante nosotros mismos.

Tal vez es por ello que Reservation Road falla inmisericordemente una y otra vez. Por más que Ethan Learner sube y baja el camino, por más que Dwight Arno se deja llevar por los recovecos del miedo y la enajenación, o el dolor de Grace Learner amenace con extraviar su razón, es evidente que algo no logra convencer. Aún cuando, para aquel que ignora lo que es la crianza de un hijo pudiera no resultarlo tanto, e incluso para una nueva generación de progenitores condicionados a la satisfacción de Mall y repelentes a todo tipo de autocuestionamiento pudiera resultar una exageración o mejor aún, una extravagancia. No obstante, algo de la sensación permanece y conduce a un lugar semejante: no embona.

Triste humanidad que transita hacia la redención a sabiendas que con ello no se recupera nada, y sobre todo cuando en el camino de esa redención nunca hubo espacio para saber por qué se perdió lo que se perdió y mucho menos para cuestionarlo cuando todo se reduce a la insoportabilidad del dolor. ¿a quien se le ocurre bajar a una gasolinera sin tener la vista puesta en sus pequeños?

No obstante justo es reconocer que tanto Mira Sorvino, como Mark Ruffalo y Joaquin Phoenix estan inmejorables en sus papeles, y que la transparencia del director no es precisamente un detalle por agradecer, como en el caso de Alfonso Cuarón dirigiendo a Robert DeNiro, Etan Hawke o Gwyneth Paltrow, aunque con Hotel Rwanda, Terry George ya había demostrado ser hábil al menos, en la técnica del Mexican Soap Opera, por más que se diga que es un director que también mete las manos en el guión.

El DVD-R circulando en el mercado tabasqueño es un producto con calidad de clon, aunque como siempre en este segmento, no se esperen los extras anunciados en el menu.

Breathe, Kim Ki Duk, 2007

Referirse al cine de Kim Ki Duk como de amateur no sólo es desafortunado: mas bien resulta de una inocencia tal que raya en la mas absoluta demencia. Pero así sucede con los ciberforos. Bajo el amparo del anonimato se asumen conductas tan infantiles como se podría suponer a partir del promedio de edad que la comunidad exhibe, y aún tendríamos que agradecer que de pronto un público bastante inopinado, casi como por casualidad, llegue a saber de la existencia de un cineasta que no por atípico reboza tanto talento como sobrepoblado se antoja su nutrido mundo referencial.

No puedo presumir de conocer siquiera la mitad de su obra cuando a lo sumo son sus seis ultimas películas, pero es irrebatible que en ellas se encuentra no sólo todo lo que los franceses enumeran como características de un auteur, pues más allá del contexto y la forma se da una extraña sinergia entre elevadas manifestaciones de belleza con supurantes heridas que nunca terminan de sangrar. Nadie como Kim Ki Duk para contrastar los mas opuestos extremos y nadie como él para hacernos transitar por un muy complicado arreglo de sensaciones: ver una cinta suya termina por ser como someterse a una intensa travesía de la cual sabemos que no saldremos para nada bien librados, pero que a la vez nos sabemos incapaces de eludirla, de hacer otra cosa porque sabemos que simplemente no la hay.

En Breathe, como en sus antecesoras, el silencio posee una vital importancia: el director no sólo parece disfrutar mucho en recordarnos que por lo general el ser humano no se caracteriza por hacer un uso al menos digno de la palabra, sino que esa casi ausencia de las mismas se convierte en un vehículo sumamente poderoso para establecer un proceso de comunicación directo de consciencia a consciencia, llegando en muchos sentidos a provocar una experiencia incluso muy cercana al susto, y justo para soltar algunas revelaciones que nos ponen brutalmente frente a un espejo que, como a nosotros mismos, resulta totalmente inutil mentir, esconderse, o hacer como que la virgen nos habla.

Zia es una mujer que en más de un sentido está muerta, tanto o más de lo que habrá de estar Chen Chang por un motivo que casi hasta la conclusion del filme se revela. Cómo y por qué habrián de relacionarse dos seres tan distantes es cosa que parece no ser del interés del director: su interés está en otra parte, con aristas visibles en cómo se complementa el uno con el otro, como se repelen, y cómo la realidad habrá de ajustarse finalmente a ellos y no viceversa, como suele ser el orden natural de las cosas. Y aún hay lugar para la poesía: el aliento como metáfora de lo divino, de lo que insufla vida. La delicadeza visual, en este autor, es un Must.

El DVD-R es producto de un clonado perfecto aunque como todo clon que se precie, no contiene los extras del original, aunque eso ya tampoco es de sorprender dado que aqui en México, compañías como ZIMA, Tarántula u otras que sacan legalmente este tipo de productos, tampoco se los ponen.

Gabriel, Shane Abbess, 2007.

De Australia nos llega esta fábula trágica acerca de la naturaleza del trabajo de un arcángel situado en un contexto bastante gótico y plagado de bizarrísimos detalles: tanto en la estructura narrativa como en la forma en que se presentan, si bien como en toda fábula, siempre existe algún tipo de moraleja y por extraño que parezca, todavía se produce cierto efecto milagrosamente eperanzador: no olvidemos que a pesar de todo se trata de asuntos arcangélicos.

Difícil de ver y más aún de seguir, con un tono oscuro y constante, personajes repulsivos unos e incomprensibles los otros, no habrá un momento único para preguntarse a qué tantas vueltas estando el suelo tan parejo, si bien los amantes del género encontrarán detalles bastante disfrutables, como por ejemplo que aquí algunos arcángeles tienen sus vicios: adictos unos, y prostitutas otras, pero todos todos fracasando en alta en sus encomiendas celestiales y casi a servicio del ángel caído, y aunque la metáfora de un arcangel que en una mano lleva su beretta y en la otra la palabra divina ya había sido elaborada hace casi 40 años por Jim Croce, siempre será disfrutable, aunque ta vez más, repito, para los amantes del género.

Shane Abbess es un director primerizo que proviene del mundo de los comerciales, el video y los cortometrajes, y Gabriel es un filme de tipo independiente que viene precedido de un considerable suceso en su país y la mayor parte del cuerpo actoral procede de la televisión, todo lo cual, lamentablemente, resuta bastante evidente.

No obstante, es bueno ver cine de una region tan ignota como Australia!

El DVD-R posee un buen terminado en el proceso de clonación, aunque como es el caso de este tipo de productos, no debe esperarse que incluya los extras y eventuamente deben ajustarse los controles de brillo y contraste ante una casi excesiva oscuridad.

Site: http://www.gabrielmovie.com/

La vida en rosa (La mome) Olivier Dahan, 2007.

Si Ray Charles tuvo su biopic, y Johnny Cash también -además del Bob Dylan de Scorsese y Todd Haynes- era de esperarse que alguna vez le tocara al viejo continente y particularmente a Francia y los seguidores de su sacrosanta chanson. Particularmente cuando el personaje cumple con todos los requisitos para ajustarse a los cánones de la leyenda: clochard, hija de una cantante callejera, abandonada al mundo y desde la infancia circundando el mundo de los burdeles.

No obstante no sería, ni de lejos, lo único que le tocaría padecer a Edith Piaff: enfermiza desde pequeña y con ceguera prematura aunque presuntamente curada de forma milagrosa por Santa Teresa, bajo cuya protección se amparaban las prostitutas ante quienes cantaba y la procuraban. De su madre y estas mujeres aprendió sus primeras canciones, mismas que la hicieron conocida en los submundos de la ciudad luz haciendo relativamente fácil su sobrevivencia en las calles.

El filme de Olivier Dahan acierta bastante en la recreación del mundo de la diva: sórdido y romántico, pero con un naturalismo descarnado que casi nos hace aspirar los aromas de la inmundicia como casi lamentar esa cierta disposición por la fatalidad que han poseído diversos artistas franceses de todas las artes y de todos los tiempos, pero apenas sin caer en la idealización de esa fatalidad que ineludiblemente terminará por difuminar todo vestigio de vida.

Es Marion Cotillard, sin embargo, quien se lleva todo el aplauso, y no es para menos. La interpretación que hace de la diva está en un nivel supremo no tanto de actuación sino de mimetización completa con el personaje y en momentos es sumamente difícil recordar que estamos ante una actuación, pues los buenos oficios de todo el equipo logran literalmente trasplantarnos a una época, una cultura y una geografía que es muy extraño poder imaginar o suponer a cabalidad.

Que de donde sale este director?

Nace en una pequeña villa conocida como La Ciotat, en la provincia de Bouches du Rhone en 1967, estudia en la Escuela de Arte de Marsella, diplomándose en 1991 y realiza una serie de exposiciones individuales y colectivas para después incursionar en el mundo del video, incluyendo en su curriculum artistas como Zucchero, Stephan Eicher, Princess Erika y Cranberries, así como a las principales etiquetas mundiales, como Virgin, EMI, Sony y Poligram.

Este trabajo, cosechó nominaciones a diestra y siniestra por todo Europa: los Baftas, El oso de oro, tres César, el European Film Award, el Lumiere Film Award, así como los premios de Philadelphiaq, San Sebastián, el Torino y el Satelitte.

El DVD-R está bien clonado y solo se le reprocha cierta oscuridad ya sea en el máster o en la transferencia, aunque no se trata de nada que no pueda ser solucionado con los controles del TV.

Gray Matters, Sue Kramer, 2006.

Una de las lamentables consecuencias de tanto acto de represión de las AFI's, Ministeriales, Judiciales y demás eunucos incrustados en los sistemas de administración de justicia, es que de pronto, con tanta redada, los piratas que ya habian adquirido cierto bagaje cultural tienen que regresar a las andadas y vender cuanta porquería les sale al paso para recuperar los costos de las reposiciones, las mordidas y demás imponderables que se presentan en su empresa. Dicen los burócratas de medio pelo que cuando no hay nada que hacer, sus patrones entonces firman convenios, y lo mismo podría aplicarse a los administradores de justicia, cuando no hay criminales que agarrar porque todos estan coludidos con ellos mismos, entonces agarran informarles. Haber hasta cuando, y haber quien se cansa primero. La fuerza de unos está en la necesidad de llevar qué comer a sus casas y la de los otros, en el poder transitorio que les da el arribo de sus cuates a sitios privilegiados para el abuso, y no precisamente contra secuestradores, traficantes y demás criminales, no: es contra el pueblo que busca ganarse la vida.

Es el caso entonces que estamos ante una peliculita que ni siquiera tuvo corrida comercial en 35mm. Al menos no en Villahermosa Tabasco, y al menos no en los cines publicitados en la prensa nacional y a decir verdad, menos mal. Sobre todo porque es un filme que se publicita como material Gay y en realidad es una aspirante a comedia bastante simplona al respecto de lo que sucede cuando una hermana ve que su hermano, con quien ha vivido buena parte de su vida, se casa con una hermosa mujer. Y es tan hermosa que incluso a ella le gusta, y con ello el descubrimiento de su desconocida orientacion sexual, si bien el que se ve bastante Gay es el hermanito.

Más predecible que político mexicano, la peliculita da vueltas innecesarias y recurre a todos los pastiches y gags para extender el tema hasta un nivel que en realidad no tiene y que afloja poderosamente desde los primeros 20 minutos, pero que pretende ser como el de las películas relativas presentadas en festivales europeos. Por cierto, el objeto del deseo es muy hermosa, pero en realidad no es como para que ambos sexos se vuelvan locos, y si la presencia algo desinhibida de Heather Graham anunciaba más, el producto final se queda en comedia rosa como para televisión abierta de las seis de la tarde.

El DVD-R se ve y se escucha inmejorablemente. Lástima de película.

Stills: http://www.cinemablend.com/gallery/previews/Gray-Matters-2101.html

En el valle de Elah, Paul Haggis, 2007.

Podríamos irnos por la fácil y dejarnos llevar por el prufundo impacto que en efecto produce el filme. Es un tema actual, certero, muy bien puesto en imágenes y con un nivel de representación que excede la media. Casi le creo a Charlize Theron disfrazada de burócrata común y corriente con sus grises trapitos comprados en remates y saldos de JCPenney, sin maquillaje, con problemas de aceptación en su comunidad y hasta con un crío de menos de 10 años, aunque quien de plano sí me convenció en su papel de padre abatido fue don Tommy Lee Jones.

Hay que aceptar, no obstante que buena parte de esta credibilidad se sustenta, además de los sentimientos de empatía que produce Tommy, en la elaboración formal del personaje: un veterano formado en las fuerzas armadas, es decir, alguien que cree firmemente en lo que es, tiene dos hijos y ambos se dedican a servir, como él, a la parte más noble, pero también a la más cruenta de su país y con ello personifica el epítome lo que significa ser norteamericano. Resulta remarcable ver como este hombre y su mujer lo pierden todo sin siquiera llegar a pensar en al menos maldecir el sistema en el que han creído y al cual definitivamente terminan aportando hasta su sangre.

El caso es que Paul Haggis, doblemente oscareado como escritor gracias a Clint Eastwood primero y ya como director por Crash, derrapa por breve en el nudo dramático de su construcción: un temible hombre rudo -hijo de Hank Deerfield- destacamentado en Bagdad, con bastante vuelo en el uso y trafico de drogas rudas tanto como en reprobables métodos de interrogación y tortura de prisioneros de pronto pierde el control de su Humvee y se produce un accidente -un tanto escabroso si ocurriera en cualquier otra ciudad y momento- que cambia por completo su percepción de las cosas hasta que poco a poco va saliéndose de control e irremediablemente se le debe aplicar un código rojo.

Esta forzadísima vuelta de tuerca, no obstante, no es tan evidente durante el visionado del filme. Pero tiende a vislumbrarse poco después de su conclusión, justo cuando la opresión en el pecho comienza a ceder y comienzan ciertas interrogaciones, sobre todo cuando ya ha pasado algo de tiempo desde que se hizo público el sistema de interrogación que usaron las tropas norteamericanas en Bagdad y el nulo resultado que la revelación produjo. Por que ahora, justo antes de las elecciones norteamericanas se ventilan estas cosas? Nos hemos dado cuenta hasta donde hemos llegado al permitir a nuestras clases políticas robar no solo para que vivan como jeques y sin trabajar, sino para que ahora aborden y usen algo como el cine para sus muy perversos fines?

Nadie ignora que esto haya sido así desde hace algún tiempo. Lo que en cambio sí parece ignorarse es que justo ahora estamos viendo gran cantidad de películas de este tipo pero que parecen ser algo mas. También es amplia la ignorancia al respecto de que esto solo puede conducir a una crisis de credibildad, y con esto........

El DVD-R es un clon perfecto que se ve y se escucha increíblemente bien, aunque no cumple con los extras que ofrece el menú, algo muy comprensible dado el mercado de donde proviene.

Stills: http://outnow.ch/Media/Img/2007/InTheValleyOfElah/

Chiles Xalapeños, Fabrizio Prada, 2008.

Es el caso de estar ante una película verdaderamente indescifrable en varios sentidos. Dado que es política de este site proporcionar cierta información mínima al respecto, con esta producción surgió una gran dificultad para proporcionar, simplemente, su fecha de producción. No hay fuente mexicana que la tenga consignada y el único rastro que se encontró fue en el IMDB, con base en estados unidos aunque desarrollado por la Universidad de Cardiff, en el Reino Unido. Esta fecha oficial no obstante, ni de lejos concuerda con otras fuentes allegadas a sus protagonistas, mismas que la situan en 2006 y con fecha probable de estreno para el pasado 2007, cosa que tampoco sucedió. Todo este problema podría ser debido a que como dicen algunas voces, se trata de una producción local del gobierno del estado de Veracruz, aunque los voceros de Fidel Herrera, gobernador actual, han salido al paso a desmentir esto aclarando que la administración por ellos presidida solo proporcionó habitaciones de hotel para la producción, cosa bastante difícil de creer al visionar el filme puesto que se aprecia de forma evidente que además de ello proporcionaron facilidades sin cuyo designio directo ningún cineasta podría accesar y nadie se está refiriendo aquí a la participación de una ciudadana que ahora resulta que es diputada y gracias a ello es que de pronto se ha armado un chisme tremendo y de ello su trascencia a ciertos sectores de la opinión pública. Así podría resultar un tanto comprensible el porqué no se estrenó en cines aunque al parecer, si esta es la vena, pues resulta que de nada sirvió, pues gracias a la informalidad la película hoy está disponible en todo Méjico y con una calidad inmejorable, como sacada directamente del máster.

En lo que a cine se refiere habría que decir que la cinta mucho tiene de piñatón: su temática, su tono, su narrativa. En este sentido tal vez se salve un tanto la fotografía, sin ser nada excepcional, así como el simple disfrute de una belleza no exenta de cierto talento como Irán Castillo y, en menor grado, la intención de configurar un retrato de los habitantes de la ciudad de Xalapa: esto último tropieza con una adicción reiterada a los lugares comunes y soluciones formulaicas de una vena procedente del cine ficherón que termina por impedir el acceso a lo pretendido, pero considerando el filme en toda su dimensión la cosa es un poco diferente.

Si es exhibida a nivel nacional, habría que agradecer algunos aciertos: a) Mostrar que Veracruz no solo es el puerto. b) Que sus habitantes finalmente tienen bastante en común con el resto de la provincia. c) Que aparte del DF y el bajío, el resto del país no esta exento de elementos cinematográficos además de sus considerables locaciones. d) Que existen administraciones estatales que a pesar de sus yerros atinan a destinar algo mas que palabras al apoyo del cine internacional, nacional y local. e) Que la provincia puede lucir increíblemente hermosa y digna en pantalla grande. f) Que el interior actualmente esta aportando actores.

Por otra parte, si la película no llega a las pantallas grandes, buena parte de lo anterior podrá ser tildado de embuste, ya que el público se perderá entre explicaciones bisoñas e incongruentes, y el pueblo finalmente sabrá que no fue una película hecha con buenas intenciones, dado que lleva ya un mes de estar disponible por las vías subterráneas y vayase a saber cómo, en realidad, está la cosa. Concebir el apoyo de una película para tener en la mano a una diputada suena bastante enfermizo y maquiavélico, o cómo es que de pronto productor y director entran en extraños procesos y uno termina por adueñarse de los derechos del otro y hacer la versión más a su conveniencia? Peor aún: que hizo la diputada para caer de la gracia de su majestad y con ello ser denostada de tal manera?

Filmografía:

En el umbral, 1995, corto, 10 minutos, Cuba.

La noche con Orgalia, 2000, corto, 10 Minutos, Bolivia.

Tiempo real, 2002, largometraje, 90 minutos, México (Xalapa, Veracruz)

Chiles Xalapeños, 2008, largometraje, 90 minutos, México (Xalapa, Veracruz)

Fresas Salvajes, 2008, largometraje.

Elizabeth, the golden age. Shekhar Kapur, 2007.

Desde siempre Shekhar Kapur (diciembre 6, 1945, Lahore Punjab, Pakistán) ha sido un cineasta sin prisas: entre 1983 y 2007 solo terminó 6 películas, 1 serie de TV, dejó otra película inconclusa (Time machine, 1992) y algunas más donde no lo acreditaron o sólo dirigió ciertas escenas. Realizar Elizabeth, the golden age representa la primera secuela que tarda 9 años en aparecer y a juzgar por lo que concierne a la cinematografía no ha quedado claro que es en sí lo que ha querido representar, hacer, o al menos comunicar, lo cual tampoco significa que su visionado esté exento del disfrute típico que cualquier gente persigue al meterse en una sala de cine y que además logre hacerlo sobradamente: con una fotografía que literalmente hiere los ojos por su intensa profusion de luces altas, contrastes, belleza y gracia además de una narración sólidamente estructurada y que fluye como la misma agua donde se da el encuentro entre las embarcaciones de su Majestad la Reina y el todopoderoso Felipe, el temido monarca de la mas respetada nación de esos tiempos y donde no hay lugar para excluir las intensas emociones que viven sus personajes y con ellos nosotros, una gran diversión está asegurada.

Sin embargo, no es para tomarse tan en serio. No al menos cuando satiriza innecesariamente tanto a los villanos -las voces españolas se escuchan siempre ominosas, como saliendo del fondo del averno mientras se identifica a la inquisición y la monarquía de ese país con el más abyecto atraso- como a su figura principal: la reina virgen a bordo de un etéreo corcel arengando a sus tropas en una secuencia donde más parece un personaje de Talkien que la monarca de un país sitiado por el poderío español. Y todavía hay más: La reina virgen caricaturizada como mujer común celosa de los amores de Walter Raleigh, la reina virgen sucumbiendo a los brazos del candidato a Lord, y la pupila de la reina, enamorandose sin permiso real del mismo caballero. No hay modo de evitar la sensación de estar más ante el culebrón televisivo de las 21:00 hrs. que ante la obra de un director oscareado hasta el vértigo. No obhstante, en este sentido lo peor no parece haber pasado, pues las productoras involucradas han amenazado con implementar una tercera película para así accesar el concepto de trilogía y de ahí para el real. Y la lista podría seguir, por ejemplo, con que Geoffrey Rush ya no aparecerá, pues su personaje ha muerto.

Tomar las cosas en serio, después de todo, no es un requisito para ver este filme, y sobre todo cuando el director ha manifestado una cierta visión al respecto de su cine: para él no es una profesión sino una aventura; encontrar en los relatos del pasado la escencia de los que somos y de lo que hemos sido: de lo que nos afecta y de lo que nos concierne.

Y al respecto uno puede estar de acuerdo o nó, aunque siempre subyacerá entonces la idea de que con esta concepción tan new age del asunto, su filme estaría mejor posicionado entre los departamentos de motivación personal en compañías como American Express, Avon, Stanhomme o incluso, Sears Roeckbuck, Sanborns o Nike. No en las salas de cine. Para eso no hacen falta tantísimos óscares.

Stills: http://outnow.ch/Media/Img/2007/Elizabeth-TheGoldenAge/

Site: http://www.elizabeththegoldenage.net/

4 meses, 3 semanas, 2 días. Christian Mungiu, 2007.

Este es el lamentable caso de una extraordinaria película que ha tenido la suerte de no llegar al interior del país en su versión de 35mm y que en su desesperacion por inundar el mercado, los hackers no la han clonado como se debe, ya que si bien tiene una imagen super nítida y un sonido acorde con los tiempos supertecnológicos que estamos viviendo, el debralle viene con los subtítulos: unos se quedan pegados y barridos en pantalla y después de los primeros 45 minutos de plano ya no tiene ninguno ni forma de ponerlos. Lástima, nos quedamos con las ganas o esperando que la suerte la ponga en alguna sala de esta olvidada provincia, porque cuando Carlos Slim la quiera poner en sus anaqueles, seguro nadie pagará los $ 200.00 en que seguro la tasan. El título alude el tiempo de gestación que tiene el producto de una joven estudiante y que determina la diferencia entre un aborto y un asesinato. Tremendo!

Stills: http://outnow.ch/Media/Img/2007/4Luni3SaptaminiSi2Zile/

Lust, Caution. Ang Lee, 2007.

Este es uno de los casos en que hay que agradecer a la informalidad que se esté tomando no sólo la molestia de introducir al mercado peliculas de autor en un lugar como Tabasco, sino que además consiga la visión para detectar cuáles de éstas películas serán más apreciadas en video que en cine, y que le meta ganas como para ganarle a las mismas distribuidoras en su lanzamiento. Y ello no sólo por que alguien suponga que nos decantamos por el formato electrónico o por la presunción que lleva a concluir que nunca será vista completa en pantalla grande debido a la mutilación ejecutada por el propio Lee con el fin de evitar la temida represalia gubernamental. En primer lugar, la estamos viendo apenas un mes después de su lanzamiento oficial en Francia, con algunos problemas de sincronía en subtitulación, sí, con errores no sólo ortográficos sino gramaticales y hasta propios de una enfermedad como la dislexia, también. Sin extras, por supuesto. Pero es posible verla ya sin esperar a que alguno de los multiplex locales quisiera pasarla -muy remoto-, o sin esperar a que alguna autoridad chilanga le pegara la gana incluirla en alguna muestra y que luego otra autoridad local acertara en reactivar las mismas. Sobre todo la estamos viendo por $ 20.00 en lugar de los $ 500.00 con que podría ser ofertada en Mixup, la conocida tienda del magnate del imperio Telmex, Sears, y vaya usted a saber cuantas más. Hay que felicitar a su pirata de confianza y no dejar de pasarle cuantos tips sean prudentes, incluso aquellos que pudieran advertirles cuando la autoridad, tapando el sol con un dedo, realizará la enésima requisa.

Tan imprudente diatriba se funda, para ser claros, en la maravilla que es este filme y en la honda impresión que produce. Es de imaginar como Tony Leung, fetiche por algún tiempo de Kar Wai e inexpresivo como pocos pero dueño de un rostro que expresa una tristeza ancestral, se mete ahora en el cuerpo de un colaboracionista chino dedicado a desaparecer la resistencia: temido, osado, implacable pero intensamente solo. Pero ese no es el único cuerpo en el que se mete. Wong Chia Chi es una exquisita y apasionada estudiante de teatro que llevará esta pasión hasta sus ultimas consecuencias, donde el idealismo, la lealtad, el activismo y sus propios sentimientos se convertirán en una amargamasa informe sin que apenas ella lo note: incluso en el momento final.

Mas allá de virulentos ardores y torrenciales chaparrones finamente retratados por la cámara de un Rodrigo Prieto que definitivamente no va mas lejos de lo que ya había ido antes, resulta inquietante la doble moral que subyace en el texto y subtexto de la obra de Lee: pone a Leung en el papel principal, el de un chino traidor en pro de los japoneses mientras en en ámbito de lo formalmente cinematográfico homenajea, parafrasea y cita a Nagisa Oshima y su conocida trilogía sobre los sentidos, el amor y la pasión, destacando a su vez que el legendario maestro janponés haya llegado hace casi cuarenta años, a un lugar donde gracias a los poderes gubernamentales todavía no podemos llegar hoy.

Que nos hace la guerra? Que nos hizo la guerra? En que momento dejamos de ser hombres? Son quizá las preguntas que motivan la obra de Lee, mientras se nota que lejos de proporcionar alguna respuesta induce a descubrir los momentos en que decidimos vender nuestra alma al diablo, como aquel en que Chia Chi, entonces una estudiante virgen seleccionada para seducir un temible miembro de los servicios de espionaje japoneses, decide tener sexo crudo con uno de los integrantes de la resistencia, con el fin de adquirir la soltura necesaria para hacer creíble su papel como anzuelo para el colaboracionista. Tiempo después, sin embargo, cuando el alto mando de la resistencia la designa para matar a ese mismo personaje, su maestro de teatro y reclutador no puede ocultar sus sentimientos y la besa, en un momento muy oscuro y con el destino amenazando sus vidas. Ella responde pero luego lo aparta. Le dice que hace ya tiempo él echo a perder la relación, descubriendo entonces el origen de toda su tragedia y lo peligroso que puede ser para una mujer dejarse llevar por su mal carácter: sobre todo cuando estamos en plena II Guerra Mundial, rodeados de intelectuales activistas, de traidores y además, de la natural obligación de sobrevivir.

Stills: http://outnow.ch/Media/Img/2007/LustCaution/

Site: http://www.lustcaution-lefilm.com/

El custodio, Rodrigo Moreno, 2006.

Quizá podría ser una buena película, dado que viene precedida por los laureles que dan los festivales, mismos que sin ser una gran garantía dados los extraños criterios que a veces ejercen, por lo regular al menos dejan suponer que es algo digno y que se podría ver, si es que los hackers, esta vez, hubieran hecho bien su trabajo. Esto no ocurre así con esta película que ni siquiera proporcionó acceso al menú. Habrá que esperar a que alguna alta autoridad autorice el retorno de los festivales a Tabasco, a que el mercado formal atine en ponerla en anaqueles o a que los mismos hackers saquen una segunda versión, aunque será difícil confiar.

Stills: http://outnow.ch/Media/Img/2006/Custodio/

The bubble, Eytan Fox, 2006

Es posible pensar que la nueva película del neoyorkino-israelí se sitúa dentro del nuevo boom de cine gay que hasta ha escapado de la marginalidad para dejarse ver actualmente por todos lados y de todas las formas y variantes. Ser gay al parecer ya no es, desde ningún punto de vista, algo marginal o subterráneo sino algo mas bien elegante y de cierta pose: sobre todo política, si bien naturalmente aun subsiste el sesgo que se da cuando una práctica no llega a ser de uso generalizado. Sobre todo en una tierra donde el fundamentalismo es algo mas cotidiano y generalizado de lo que aqui en occidente podemos suponer.

Eytan Fox imagina una tierna película: un amor gay capaz de derribar un encono que lleva algunos siglos sobre la tierra, aun cuando el visaje solo sea a nivel personal y con el costo mas alto que cabría suponer: algo así como un Romeo y Julieta en la tierra de Abraham pero coreografiada con toda la fuerza de Al-Qaeda. Durante mas de 50 minutos vemos a un alegre grupo de amigos subir y bajar por las calles de Tel-Aviv disfrutando en grande de la vida: no se preocupan mas que de asistir a fiestas rave, organizar protestas en contra de cualquier cosa y darle rienda suelta a sus cuitas sentimentales, corporales y existenciales. Muchos jóvenes quedarán maravillados por lo moderno de este cuarteto, por lo alivianado de su mundo y por su puesto, porque todos son tipazos. El problema empieza cuando alguno de ellos va ganando en madurez y se enamora en serio, pero de un hebreo y ahi si que las cosas se ponen un tanto escamosas, pues inevitablemente la situacion de conflicto y xenofobia entre los dos grupos raciales hacen sus estragos y no dejan de presentarse ciertas tragedias personales, familiares y hasta sociales.

Pero sugería en un principio, que más que una película de sentimientos y amores veo en The bubble una cinta de tipo político, donde se pone de relieve como las condiciones sociales adversas afectan nuestras vidas -aunque no tan nuestras dada la escasez global de afinidades generales con los protagonistas- y cómo la incomprensión nos sitúa en un oscuro callejón sin salida que nos lleva, frecuentemente, a conceder un valor bastante ínfimo a la vida propia y por consecuencia a la de los demás. A este nivel la película se constituye en un discurso plenamente más efectivo que el del sr. vaquerito borrachín y sus poderosos despliegues de fuerza por todo el mundo, donde dicho sea de paso, no se avizora consiga más de lo que el sr. Eytan Fox si consigue de forma mas reconocible y generalizada.

Lástima que la situación en oriente medio sea aun más grande, conflictiva y enredada que la vida de cuatro simpáticos israelís.

El DVD-R pertenece a la generacion de productos traficados por la red y que por mucho parecieran clones casi perfectos, a exepción de los consabidos extras y de la reducida paleta colorífica que se traduce en frecuentes pixelaciones principalmente en las tomas nocturnas, cuando a cualquiera parecería que el único color que existe es el negro y no una complicada paleta de grises muy difíciles de reproducir si por ahorrarse unos megas reducen de miles, a decenas de tonos. Esta película formó parte de algun festival de Cineteca o de la UNAM, pero no viajó a esta provincia sureña y por lo tanto, actualmente representa la única oportunidad de verla.

Stills: http://outnow.ch/Media/Img/2006/Buah/

Site: http://www.myspace.com/thebubblemovie

Cachorro, Luis Abaladejo, 2004.

Miguel Abaladejo no es alguien del todo desconocido para el público tabasqueño. Allá por el 2000 una de sus películas formó parte del ciclo con el que se saludaba al nuevo milenio: La primera noche de mi vida, una singular colección de personajes un tanto excéntricos y que como sacados de la movida madrileña no terminaban de perder cierta ternura en un puñado de curiosas y entrañables situaciones, además, claro, de haber sido el vehículo ideal para conocer un talento y belleza como Leonor Watling.

Años despues, ya en 2004, retoma un tema abordado en el 96 con 8 minutos de cortometraje: un tío seropositivo, productivo y apuesto, un día tiene que hacerse cargo del cuidado temporal de su sobrino, produciendo esto cierta visión sobre su propia vida y sus nuevas responsabilidades, mismas que por azahares de la vida se vuelven casi permanentes y por lo que su propia confrontación continúa, si bien no es un tipo como podría decirse, debrallado. Un día la cosa cambia y entonces se produce una separación, misma que no durará toda la vida pero logra introducir nuevos elementos en la historia.

Lo que Albaladejo nos propone resuta tan claro como el agua y no requiere muchas vueltas. Sin moralinas ni prejuicios se acerca muy cuidadosamente al meollo de una cuestion como la homosexualidad masculina y sus más ríspidas implicaciones sociales, aunque definitivamente, destacan en un plano mucho menos evidente, las personales. Media humanidad podrá estar o no de acuerdo con él pero lo que se hace evidente es que podemos engañar a todo el mundo, nunca a nosotros mismos, y eso precisamente, es lo que nos salva, pero al mismo tiempo, nos condena.

Por otra parte, nada de la finura de guión se huibiera alcanzado de no ser por el fino dibujo de personajes que realiza el director-escritor para delinear perfectamente bien el entramado social que circunda la historia.

Una película muy recomendable a pesar de una escena un tanto innecesaria, que llega a Tabasco en formato DVD-R con buena resolucion a pesar de dos o tres momentos en que la reducida paleta alcanza la pixelación, que no cuenta con extras porque no es un clon en el sentido estricto de la palabra, pero que se ve y se disfruta muy bien.

Stills: http://outnow.ch/Media/Img/2004/Cachorro/

La ultima cena, Osamu Fukutani, 2005.

Hace algun tiempo en un ciberforo de cine erótico, transcurria la charla normalmente. Cada quien exponia de acuerdo a sus gustos e intereses y se puede decir que todo fluia de manera amigable cuando de pronto irrumpio alguien que se hacia llamar "solo rock cabrones" y sin más solto que todos eramos unos tales por cuales y que a el, de cine, solamente le gustaban las porno hard core, con todo tipo de graficidades, bestialidades y en suma: que no le gustaba hacerse pendejo. Tal irrupciòn, si bien me dio risa, en realidad me dejò atònito: que obligaba a una persona -aun del tipo adolescente- a de pronto llegar, insultar a todos y manifestar gustos en un registro tan primario? Digo, no es que de pronto no haya yo experimentado cierta aficiòn al porno y sobre todo a cierta edad, pero, de donde salia el valor para apabullar a un auditorio de extraños con semejante bombardeo? De donde la necesidad por desnudar así semejante cuerpo de miseria?

Tiempo después traté de imaginarme a ese mismo joven unos 30 años mas tarde, habiendo tenido la suerte de seguir sus instintos hasta sus ultimas consecuencias. El resultado concuerda mucho con el personaje primordial de esta cinta japonesa donde ese alguien no solo tiene la oportunidad de dar rienda suelta a sus impulsos, con una fortuna tan asombrosa que incluso logra tansformar para bien su propia vida, sino que además logra refinarlos hasta un estadio que ya Fruit Chan habìa podido imaginar aunque con un hálito de misterio y misticismo. Solo que aquí el janonés creador, Osamu Fukutani sabe que todo lo que sube tiene que bajar y es normal y logico que a toda acción corresponde una reacción: como es arriba es abajo. En todo caso parecería un cuento moral aunque dudo mucho que sea el caso pues más se trata de cine génerico sobre temas e intereses muy japoneses y en todo caso asiáticos, si bien las cintas de sobre Hannibal Lecter apenas rozaron las aristas más importantes del tema.

Algo que me gusta del terror oriental, al menos a cierto nivel, es que lo ominoso regularmente no se encuentra en la fantasmagoría, la monstruosidad y por último, en lo exógeno del hombre: el terror se encuentra, como suele ser más en lo cotidiano: en lo más profundo de su propia psiquis.

Stills: http://outnow.ch/Media/Img/2005/LastSupper/

Cashback, Sean Ellis, 2006.

Se da de pronto la situación de estar ante de uno de esos casos míticos que parecerian de pronto sacados de una de esas viejas revistas del corazón: un joven director inglés que apenas viene haciendo unos cuantos cortometrajes, de pronto realiza uno, en el que la carencia económica es tal que sus actores visten sus propias ropas, quienes representan a los empleados del supermercado usan el uniforme auténtico de uno que les prestaron para filmar en el horario en que habitualmente cierra, y los productos que salen a cuadro son auténticos porque no les ha alcanzado para mandar a hacer otros a falta de respaldo financiero de Kellogs, Coca Cola y algún tan improbable como auténtico shampoo, ademas de haberse privado del uso de CGI's para la implementación de los asombrosos efectos que uno termina viendo a cuadro. El caso es que aún así consiguen una nominación para los premios de la Academia Norteamericana de las Ciencias y Artes Cinematográficas el mismo día en que han terminado la postproducción, y que si bien no se pudo transformar en la codiciada estatuilla con el atlético cuerpo de Emilio el "indio" Fernández, al menos cosechó otros seis premios semejantes, sobre todo en europa, además de Chicago y Nueva York. Fin de la historia? Pues no, el cortometraje se convirtió, dos años y algunos miles de dólares después, en un muy buen largometraje que si bien no ha podido evitar dos o tres clichés y cierta ternura muy propia del supermercado, logra situarse en el plano de las escasas producciones cinematográficas capaces de hacer acceder a una significativa población a los estadios y privilegios de lo que comunmente se conoce como inspiración.

La premisa sobre la cual se escribió el corto está resumida en las primeras líneas del mismo: Cuando duermes, no estas consciente de ello hasta que despiertas. Durante esas horas perdidas, nace un mundo completamente distinto: Bienvenido al turno nocturno. Un joven que ya hemos visto en las aventuras de Harry Potter se desplaza por los pasillos de un supermercado, observando con sumo detenimiento a los compradores, aunque más específicamente a las compradoras: se dice un estudiante de arte que además de observar los distintos actos de retribución llevados a cabo en el supermercado -además de los económicos- fundamentalmente está intercambiando su tiempo por algo de dinero, agregando además 8 horas diarias a su vida. El caso es que Ben además ha conseguido algo por lo que hordas de humanos serían capaces de asesinar: detener el tiempo; no echarlo atrás o adelante, sino poner en "pausa" el control remoto de la vida. El problema es que Ben es un artista y cuando logra detener el flujo del tiempo es porque ha hecho contacto con una zona muy profunda de su psiquis, impresionado hasta el tuétano por la belleza de una compradora que le transporta hasta la primera vez en su vida que vio el desnudo cuerpo de una muy hermosa y bien dotada sueca, en las escaleras de la casa paterna. Hoy en día, cuando se detiene el tiempo, corre apresuradamente a explorar de manera minuciosísima el objeto de su atención intentando capturar segundo tras segundo con su lápiz y su block de notas. Revisa todo: sus ojos, su cabello, sus oidos, sus senos, sus nalgas, sus pies. Pero cuando dibuja un rostro, solo aparece uno. Uno solo.

El largometraje podría resumirse en cómo el personaje ha llegado a este estado. Cuáles fueron las causas, externas e internas que le han llevado a su descubrimiento y, principalmente, cuáles serán las consecuencias, si bien haría falta recordar que resumir no es precisamente lo mejor que se puede hacer para describir la belleza y menos aún la cinematográfica. Introspección. Tal vez baste decir que desde hace mucho tiempo no se veía semejante profusión de cuerpos desnudos femeninos en un ambiente que nada tiene de procaz, y sí, en muchos de sus momentos, con el buen gusto, el humor, la inspiración. Es obvio que en algunas partes despertarán algunos con ganas de irse al supermercado a deshoras de la noche con la esperanza de ver algo insólito, y quien sabe lo que a fin de cuentas se pueda encontrar, sin importar tanto si fue adentro o afuera. Hasta los mas punk adorarán, de ahora en adelante, el Huapango, de Moncayo.

El DVD-R parecería un clon: incluso cuenta con el menu del DVD original, aunque carece de sus prestaciones extras, como la inclusión del cortometraje referido. No obstante la sincronia imperfecta del subtitulaje denuncia su origen traficado por la red y posteriormente subtitulado por un hacker al que algo le falta y queda a deber, no obstante se ve bien y es la única opcion por el momento aquí en Villahermosa, Tabasco y en México D.F. No importa que tantos operativos sean los cerdos capaces de realizar.

Stills: http://outnow.ch/Media/Img/2006/Cashback/

Ping Guo (Lost in Beijing), Yu Li, 2007

Bien a bien uno ya no sabe si también los excomunistas chinos han terminado por asimilarse al sistema de propaganda de bajo perfil para filmes independientes del mundo occidental o si acaso se han ajaponesado un tanto, pues la historia de Zhang Yimou parece repetirse ahora por medio de una película que recien se estrenó en La Berlinale pero que no contaba con visa de salida de las autoridades Chinas: el resultado es que el joven cineasta Yu Li se ha vuelto proscrito en su patria gracias a un filme que siguiendo lo más reciente del subcontinente parece bastante inofensivo: se trata de un menage a quatre que involucra a una joven masajista, su patrón, la esposa de éste y su propio marido, en un todos contra todos que traerá consecuencias que de no ser por el tratamiento sobrio e intimista con que se ha construído el filme, podría haber sido la comedia del año.

No obstante el caso anterior mas sonado, con Ang Lee recortando media hora de Lust, caution (2007) debido a sus escenas de sexo explícito ante un sistema clasificatorio que sólo contiene una categoría, Lost in Beijin tiene el problema de ser ante todo un filme que las autoridades han considerado político. Sí hay cuerpos que con fruición se frotan pero no hay graficidad en ello: lo verdaderamente desafortunado, para la visión autoritaria es que muestra a Beijing como una ciudad donde lo mismo convergen las viviendas de quienes apenas subsisten rotando carencias en viviendas infrahumanas, con los edificios altos y espigados que de cristal orgullosos se yerguen ante sus habitantes: toda una casta de nuevos ricos que se transportan en Mercedes, se rigen por el tiempo de Rolex y de cuyos negocios dependen, literalmente, cientos de personas, de esas que a falta de otra cosa han tornando sus sentimientos en moneda de cambio. Pero no sería afortunado pensar que estamos ante un filme tan crudo como sería propio pensar al respecto de una cinematografía que precisamente ha hecho gala de ello. Lost in Beijing es ante todo un filme donde subyace una profunda reflexión social pero presentada mediante un intenso ejercicio estético, donde lo mismo convive el vértigo de ver a un limpiavidrios de rascacielo hacer su trabajo, que la tiernísima vista de una joven y atribulada madre amamantando al pequeño cuyo destino se reescribe cada minuto.

El DVD-R pertenece al grupo de productos traficados por la red aunque su resolución es óptima e incluso parece ser un clon original, aunque ciertos traslapes de sincronia de la subtitulación confirman que no es así. De cualquier modo, no existe otra forma de disfrutar esta muy buena obra.

Stills: http://outnow.ch/Media/Img/2007/PingGuo/

Dans París, Christophe Honoré, 2006.

No es sencillo entender cómo alguien que ha nacido dos años después que el fervor revolucionario hiciera presa a las multitudes parisinas se presente otros cuarenta años mas tarde como si no huibiera pasado el tiempo. Sobre todo un tiempo que no le ha tocado vivir de manera directa, cuando Truffaut y sus camaradas fueron capaces de conmovernos hasta lo más hondo con su sencillez y bizarras invenciones que terminaron no solo de refrescar las narrativa cinematográfica, sino la estética en general del cine tanbto como las propuestas de vida que a partir de entonces se han hecho tan populares.

Dans Paris es una cinta que envuelve una historia en la que se encuentran presentes los elementos típicos de la cinematografía urbana: el hombre y su incapacidad de relacionarse con sus semejantes y, particularmente, con el sexo opuesto y su incapacidad para encarar las responsabilidades naturales de la vida, además de una extremada proclividad por el individualismo. No obstante resulta un tanto ridículo cómo en el mundo de Christophe Honoré -Ma mere, 2004- es reiteradamente señalado cómo la irreverencia es la única vía que puede salvarnos. De no ser por un curioso desliz producido por un corte que probablemente intentara ser un musical, sería imposible descifrar la clave lúdica que envuelve la cinta: Paul, a un paso del suicidio, es salvado por su hermano menor, un joven guapo y despreocupado que gracias a sus descuidos propicia que una desus novias, su hermano y él, terminen juntos en la misma cama.

No sé a que venga tanta insistencia en mostrarnos a Louis Garrel tan reiteradamente como autor de todo tipo de sueños y proezas sexuales de todas las variantes, cuando por derecho de sangre le asiste un lugar privilegiado en la cinematografía. Fue el hermano incestuoso de Los soñadores, de Bertolucci, el hijo impactado por la sexualidad materna en Ma mere, del mismo Honoré, el recluta opiómano de Los amantes regulares, del mismo autor y, en la vida real, es hijo de Phillipe Garrel, miembro de la segunda generación de la vanguardia francesa.

Es hora de que el joven Garrel empiece por trascender este tipo de roles y como su coestelar en esta cinta, Romain Duris, busque la forma de crecer en un mundo que ya a temprana hora amenaza con reducirlo a nada. Tanto como le pasará a su ahora director de continuar insistiendo, sin agregar nada notable, en una temática ciernamente nostálgica e inspiradora, pero solo cuando es oportuno. La homosexualidad latente entre dos hermanos, como tópico de interés y morbo, bajo este tratamiento, está agotada y no dice nada. Los problemas de hoy parecen ser los mismos de ayer, pero las cosas hoy son un tanto diferentes de entonces: la diferencia entre el ridículo y el absurdo, como género, en esta película, se pierde un tanto.

El DVD-R pertenece a la generacion de productos traficados por la red. No es un clon. Se advierte cierta pixelación causada por un altisimo nivel de compresión y una muy reducida paleta colorífica, haciendo que en ocasiones se adviertan pastiches en lugar de matices, mientras en el subtitulaje, en un intento exacerbado de inovación, han sido cambiadas las fuientes por otras que son difícilmente leídas, lo que hace muy grande el problema de interpretación, pues los diálogos son muy rápidos y es cosa de estar parando la ejecucion para poder comprender. No obstante, hay que reconocer que este producto es de muy reciente factura en Francia y es la única vía para acceder a él.

Site: http://www.dansparis-lefilm.com/

Stills: http://outnow.ch/Media/Img/2006/DansParis/

Rescue dawn, Werner Herzog, 2007

No resulta sencillo adivinar qué es lo que Herzog ha buscado con este nuevo filme. Por una parte adiciona a su filmografía una más de su recurrente tema acerca de sobrevivientes y por otra ahonda acerca de un caso particularmente ya abordado por el mismo pero en formato documental. No obstante, para hacerlo, crea una compañía productora casualmente denominada Top Gun y para variar nos presenta el caso de un piloto aleman derribado en pleno conflicto vietnamí, torturado y dado a la fuga con relativo éxito. Mas extraño aún, Dieter Dengler, el piloto sobre el cual se basa el relato, auténticamente existió.

La cosa dista mucho de terminar ahí y es inevitable presentir cierta ironía latente: el piloto, es un alemán sobreviviente al bombardeo aliado en la segunda guerra mundial, jugador de beisbol y con un tipico corazón de caramelo norteamericano que no quiere ir a la guerra. Solamente quiere volar un avión y por eso acepta ser enrolado, casi casi de la misma forma en que, cuando es capturado, rehusa firmar un documento donde reniega de su patria adoptiva porque no quiere sentirse malagradecido con quien le dió la oportunidad de volar un caza.

Casi todo este heroísmo, existe, nos damos cuenta cuando comienza a ser más y más increíble, porque en el segundo tercio del filme Mr. Herzog se ocupa minuciosamente de ir situando en la más oprobiosa miseria a su personaje, y no es una miseria usual; es el tipo de miseria que le hace no identificar el sufrimiento de sus compañeros de cautiverio porque él mismo está en el limbo del topus uranus del americano promedio, mientras se dedica a jugar a ser McGuiver y aún, a planear y dirigir la fuga, justo donde Herzog nos regalará algunas agradecibles autorreferencias como señalando lo extrañamente ridículo que estamos atestiguando.

Pero si en el pasado Mr. Herzog ha sido identificado como alguien que usa los habitantes del tercer mundo como mero escenario, ahora parece sentir cierta simpatía al menos por los captores del teniente Dengler, quienes a su vez son prisioneros del Khmer Rouge. Por eso son viciosos, aunque ocasiuonalmente demuestran simpatía por el enemigo blanco.

Lo mejor de todo, no obstante, es que se trata de un filme totalmente impredecible: la audiencia dificilmente encontrara pistas acerca del destino de la operacion ni del teniente Dengler y advertirá, muy probablemente, las diversas lecturas de su final, pasando por las caracteristicas de las relaciones de los marines con sus esposas y casi sin advertir que se trata de una película de género. Extraordinaria, pero de género.

Por lo demás el DVD-R es un clon absoluto, con los trailers y extras de su original.

Stills:http://outnow.ch/Media/Img/2006/RescueDawn/

Site: http://rescuedawn.mgm.com/

Goyas's Ghosts, (Goya y la inquisición) Milos Forman, 2006.

Resulta bastante risible y lamentable como el colonialismo castiga duramente pasar por alto la taquilla. Sobre todo en Méjico, aunque nunca quedará hasta ahí el asunto. Milos Forman, autor de estupendos filmes que algunas veces se han convertido en declarados ensayos, por lo general, al rededor de un tópico histórico o del arte, fué prácticamente vetado en este país a raíz de su desliz denominado Man of the moon (1999), al grado que una película como la que ahora nos ocupa, con un elenco de primer orden, una cinematografía verdaderamente depurada y por añadidura, sumamente inspiradora, no solo fué ignorada en las grandes pantallas desde el mismo 2006 en que se completó su producción, pues el castigo, fuera de toda mesura, incluyó su probable lanzamiento en DVD. Aunque por cierto, parece que es hasta ahora que se está planeando su tardía introducción a este país y con ello es muy probable que por fin arda el infierno: quinientos años después de los excesos del Santo Oficio ya se han alzado voces que vociferan al unísono en contra del film, aduciendo cosas tan obvias e incongruentes como que si Estados Unidos de Norteamérica usa peores métodos de tortura que Su Santidad, que el filme es un pretexto para construir, deconstruyendo, las imágenes del pintor, que se incluyeron personajes que nunca existieron, que si eran innecesarias algunas escenas por su alto contenido dramático y que el filme hubiera estado mejor sin Goya (Stellan Skarsgard) dado que el personaje central parece ser el hermano Lorenzo (Javier Bardem).

En lo personal, disfrute bastante del proceso del pintor para realizar los grabados que de acuerdo con el filme, fueron los que despertaron la atención del Santo Oficio sobre su persona. La descripción de este proceso es toda una cátedra relativa a las artes plásticas y particularmente del grabado en la época, además de ilustrar la significación que dicha manifestación tenía en aquella sociedad: privilegiado medio para denunciar las ya ultradecadentes prácticas tanto de esta comunidad eclesiástica como de los soberanos que padeció. No obstante, esta escena no es única y el filme está lleno de secuencias impresionantes, como aquella otra con la que abre Forman su relato: un grupo de clérigos examina lo que nosotros ya sabemos son unos grabados mientras la cámara va presentando a cada uno de los acusdadores y el cargo que formulan ante el Cardenal. Muy sereno y con rostro casi beatífico, el hermano Lorenzo afirma que Don Francisco de Goya es todo un artista. El Cardenal le inquiere al respecto y el hermano continua con su presentación: la corte le ha nombrado el pintor del Rey y personalmente no cree que los grabados del artista sean capaces de introducir al diablo en los feligreses, pues en todo caso, afirma, la iglesia es la culpable, pues ha relajado sus procedimientos de inquisición y es ello lo que le ha abierto la puerta a Satán. El Cardenal que preside, le inquiere si está preparado para afrontar un momento en la historia de la iglesia como el que ha descrito y el hermano responde que no solo esta preparado para eso, sino para además, conducir los esfuerzos. Todo ello con el rostro más dulce que el actor haya sido capaz de esbozar en toda su carrera y ante el legitimo azoro del resto de la comunidad pastoral. Una secuencia definitivamente tensa y justo con la que se abre el filme. Y es en todas estas secuencias donde se me hace notoria la presencia de todo un experto en la estructuración de una historia: Jean Claude Carriere, un antioguo colaborador de Luis Buñuel.

Las referencias al surrealismo estarán presentes durante todo el filme y saltando de un plano a otro y a su vez cambiando de elemento: la angustia que captaba el pintor incluso en sus obras más angélicas, los personajes más opuestos a su personalidad aparente, los destinos más distantes de lo imaginado y por supuesto, la pintura de Hyeronimus Bosch o la denominación de España como el putero más grande de Europa. Pero en este rubro lo que se vuela la barda es una transposicion de papeles y repetición de una misma escena: La bella hija de un rico mercader es tomada por el Santo Oficio bajo pretexto de ser practicante del judaísmo, cuando en realidad ha sido tomada bajo los auspicios de la comunidad eclesiastica contraria al arribismo del hermano Lorenzo. La ponen bajo cuestión y confiesa lo que al Santo Oficio le dicta. Después, cuando su padre organiza un encuentro con el Hermano Lorenzo, fracasa en sus intentos por convencer al clérigo que una confesión bajo cuestión, no puede ser creíble, pues por evitar el dolor u orillado por el mismo, cualquiera confesaría cualquier cosa. El hermano se mantiene firme en su posición y entonces el rico mercader lo secuestra y redacta un escrito donde el clérigo confiesa ser un chimpancé. Le pide que lo firme ante lo cual el clérigo se niega. Es sometido a una cruenta tortura, bajo el mismo procedimiento que el espectador ha visto que fue torturada la hija del mercader, hasta que finalmente Lorenzo firma su confesión. El mercader hace una millonaria donación a la iglesia por conducto de Lorenzo y solicita la liberacion de su hija, bajo amenaza de hacer de conocimiento del rey su confesión si esto no ocurre así.

Podemos convenir en que la cinta es una curiosa mixtura de sátira política y ciertas prácticas un tanto televisivas o de telenovela, pero el filme en sí mismo contiene suficientes imágenes reales y poderosas que definitivamente atrapan la atención y sujetan firmemente al espectador en una narración épica sobre la guerra civil, la intervención napoleónica y otros tópicos, pero difícilmente se puede coincidir con que la película es un elefante blanco comparable a otros filmes un tanto más insípidos de Miramax, como Chocolat o The Cider house rules. Hay verdaderamente una enorme distancia entre ellas.

El DVD-R se encuentra clonado con notable destreza, aunque pertenece a ese grupo donde se clona solo la película, no el DVD completo y por lo tanto carece de prestaciones y le ha tocado un menú hechizo, probablemente por el pirata que ha clonado. No obstante, en Villahermosa Tabasco, es la única probabilidad de dar con esta joya.

Stills: http://outnow.ch/Media/Img/2006/GoyasGhosts/

Site: http://wwws.warnerbros.es/goyasghost/

La carta esférica, Imanol Uribe, 2007.

Desde que las novelas de Arturo Pérez Reverte le han convertido en un autor publicado en más de una veintena de países ha existido una especie de maldición: nunca una obra suya ha podido ser bien trasladada en términos cinematográficos. No al menos para quienes han leido algunas de sus obras y no al menos para espectadores casuales que no mantenían una relación previa con el mundo del escritor. Aunque hay de casos a casos.

Actualmente son ocho las obras que han sido llevadas al cine y, paradójicamente quienes han salido mas mal librados son Roman Polansky (The ninth gate, 1999) y Manuel Palacios (Gitano, 2000) una superproducción que incluía a Laetitia Casta y Joaquin Cortés si bien Perez Reverte solo hizo un trabajo de adaptación. La obra no era suya. De cualquier manera sorprende que un cineasta tan experimentado como Polansky y una mega producción como la de Palacios sean los mejores exponentes de como fallar una película sobre un texto que en realidad de malo no tiene nada.

La carta esférica es un texto redondo, simple y bastante funcional. Podíamos pensar que pertenece al subgénero de aventuras y navegantes aunque por los subtextos que conducen la trama podríamos clasificarlo como thriller: existe un navegante que por causas de la fatalidad está varado en tierra y ansía regresar al mar, cuando sus pasos lo conducen al encuentro de una belleza que no es lo que parece ser y que de cierto conduce hacia los chicos malos: un italiano y un argentino que conectan con cartografías ignotas, naufragios arcanos y tesoros marinos. Al final siempre existirá una posibilidad para el amor.

Antes de este final, que tampoco es como se podría suponer, el espectador experimenta un cierto sabor a infancia añeja: de mundos paralelos a los ya relatados por Stevenson, Melville, Beach, Nordhoff y por supuesto, gracias a la intervención de Aitana Sánchez Gijón, a los desgarradores paisajes de Alvaro Mutis, aunque claro, Reverte e Imanol tienen su propia marca.

Existen por supuesto recursos que el director usa un poco descabelladamente sin conseguir plenamente el efecto deseado, como la voz narradora, el concepto totalmente inexistente de iluminación y una total ligereza y falta de perspectiva en las interpretaciones, pero curiosamente, en el efecto final, consigue adentrarnos en su mundo, su trama y en los ambientes de las aventuras en el mar. Salir mejor librado que Polansky, de cualquier manera, no es un mérito menor.

Este producto es un clon legítimo y se ve bien, aunque el audio es un poco bajo en sus niveles y carece del apartado de extras anunciado en el menú.

Nuovomondo, Emanuele Crialese, 2006.

Justo cuando se da uno de los momentos más álgidos en relación a la política migratoria de los Estados Unidos, aparece Emanuele Crialese (1965, Roma, Italia) con una fábula bufa acerca de la maravilla que fué para miles de sicilianos arribar a la Isla de Ellis, puerta de oro para todo tipo de inmigrantes -europeos, por supuesto- siempre y cuando estuvieran dispuestos a una asimilación total a la cultura y costumbres del generoso hortelano. De no ser así, como en el caso de la madre del protagonista, Salvatore Mancuso (Vicenzo Amato) se tendrá que aceptar, como éste y único premio a la vejación, un pasaje de regreso. Porque el hortelano ha dispuesto que sus congéneres no se mezclen con sospechosos de estar contaminados por cualquier germen, incluso el de la idiotez. Porque el hortelano es dueño de los pepinos más grandes del universo. Porque el hortelano es el dueño de la tierra prometida. No obstante, y muy a pesar de la cada vez más sospechosa presentación/apadrinamiento de Martin Scorcese, existe una celebrable linea que a fin de cuentas indica que siempre fué mejor el viaje que el mismo arribo: plagado este de angustias, desengaños y marrullerías. Y eso que nunca veremos si cualquiera de los inmigrantes tuvo oportunidad de comprobar si en la tierra prometida en realidad existian los huevos de gallina de un tamaño superior al de un jugador de baloncesto.

Tierra fértil para la superstición, la miseria y la vida en la edad media, a pesar de que lo narrado se situa a principios del siglo XX, el filme de Crialese no pierde oportunidad de incrustar en su narrativa ciertos aires que aspiran a lo surreal: como si ningún cine italiano pudiera escapar de Fellini o peor aún, como si cada filme de la peninsula itálica tuviera por fuerza que referir al mas circense de todos los cineastas. Alguien debería hacer notar a Crialese que así es difícil descubrir si tiene voz propia aunque media docena de premios conformen un perfecto gesto coral compuesto por una amplia cohorte de sirénidos.

Nuovomondo, el cuarto filme de Crialese, al menos no es una película de época. No en el sentido que más que mostrar composiciones fastuosas, bailecitos rococó o principados en pugna, se regodea en un inesperado regocijo de la etnicidad. Baste enunciar la secuencia inicial para subrayar el acento que se repetirá a lo largo del filme: un universo donde el dialecto siciliano se junta con la ignorancia y la superstición para configurar una angustia que les impide ver la maravilla que es este nuevo mundo que aparece apenas los aldeanos dejan su villa. Nada de olas golpeando la embarcación y ningún marinero corriendo de babor a estibor: solo una intensa niebla cubriendolo todo cuando llegan a Nueva York. No obstante, las imágenes más enigmáticas del filme, están dedicadas a las ensoñaciones de los migrantes.

Por supuesto, hay una historia de amor. Pero es un amor raro. Un amor que sólo existe en la cabeza de Salvatore Mancuso y provocado por la belleza de Lucy (Charlotte Gainsbourg), una inglesa de la que mucho se rumora pero poco se sabe. De manera que todo ocurre dentro de la cabeza del migrante italiano, por lo que se siente un poco a fuerza, un poco jalado, cuando a fin de cuentas ella le pide que se case. No lo ama, le aclara. El porqué, ya lo sabemos nosotros.

Este DVD-R en términos generales, se ve bien, aunque hay que ajustar los controles de la TV pues tiende mucho a la oscuridad, no obstante de ser un clon auténtico que viene hasta con el extra de detras de cámara, y subtitulado también al español.

Stills: http://outnow.ch/Media/Img/2006/Nuovomondo/

Site: http://www.goldendoor-movie.com/